Jorge Méndez Ansaldo

Profesor del IPLL y la ULL / santiago de Chile

lunes, febrero 22, 2016

El Bosco / El primer surrealista

lunes, mayo 04, 2015

La caída de Ícaro, Pieter Brueghel el Viejo.


La caída de Ícaro es una de las pocas obras que Pieter Brueghel el Viejo realizó siguiendo la técnica del óleo sobre lienzo, la mayoría de los cuadros del artista renacentista han sido realizados utilizando el temple sobre lienzo. Pieter Brueghel el Viejo (1525 – 1569) es considerado como una de los principales exponentes artísticos de la escuela renacentista flamenca.
 



 La caída de Ícaro representa un lienzo con un tema mitológico inspirado en los relatos de las Metamorfosis de Ovidio: Ícaro fue hijo del famoso arquitecto Dédalo a quien su virtud como inventor le costó la vida de su hijo. Encerrados en la isla de Creta por el rey Minos padre e hijo soñaban con escapar de allí y ser por fin libres; Dédalo ideó entonces unas alas fabricadas con cera para él y su hijo. Sin embargo, el joven Ícaro demasiado ambicioso en su vuelo ascendió demasiado y el sol fundió la cera de sus alas precipitándolo hacia el mar y causándole la muerte ante la impotencia de su padre.

Sin embargo el tratamiento que el pintor ofrece de la escena resulta especialmente innovador: el tema mitológico apenas se hace perceptible  para el espectador, la única referencia que encontramos de Ícaro son unas piernas que patalean en el mar representando la inminente muerte del joven y un; la escena como bien relataba Ovidio se completa con la presencia de un pastor, un hombre que pescando en el mar y un agricultor, sin embargo en Las Metamorfosis éstos aparecen asombrados mientras que en la obra de Brueghel están absortos en sus quehaceres.

Así el pintor flamenco ha alterado profundamente la jerarquía tradicional con que la pintura ordena las temáticas pictóricas: el tema mitológico principal apenas está desarrollado, el paisaje – en principio una de las temáticas más valoradas- aparece relegado en pro de la representación costumbrista de la vida campesina.

La presencia de los personajes secundarios que permanecen absortos en sus tareas ante la desgracia de Ícaro se ha relacionado con la indiferencia de la humanidad ante el sufrimiento ajeno a la vez que con un viejo proverbio flamenco que precisamente viene a explicar esto mismo:

La obra de Brueghel inspiró a algunos poetas para realizar sus obras como a William Carlos Williams o W. H. Auden para escribir un poema en su honor describiendo la obra y que recibe el nombre del museo, Museo de Bellas Artes.

En la actualidad la obra se expone en el Museo de Bellas Artes de Bélgica catalogada como pintura flamenca renacentista pero planteando ciertas incógnitas acerca de la autoría del lienzo. Si bien es cierto que durante mucho tiempo la obra se consideró realizada por los pinceles de Brueghel a partir de 1996 los estudios realizados contradicen dicha información y se ha planteado ciertas dudas en torno a su autoría; parece ser que la obra que hoy se encuentra en Bélgica podría tratarse de un copia realizada a partir de un original hoy perdido.

Lee todo en: Paisaje con la caída de Ícaro, Brueghel el Viejo. | La guía de Historia del Arte http://arte.laguia2000.com/pintura/paisaje-con-la-caida-de-icaro-brueghel-el-viejo#ixzz3ZEicGs00

domingo, abril 26, 2015

Johannes Vermeer

“La Lechera”, obra realizada entre 1647 y 1675.
Un estilo singular.

Vermeer siempre ha sido concebido como el antagonista de los “pequeños maestros”, ya que el “pequeño maestro” pintaba objetos lujosos y exóticos, pero siempre vistos a través del vidrio de las ventanas, contemplados desde la calle, como si estuvieran observados por un viandante más. Vermeer opta, sin embargo, por los espacios interiores, pero no buscando objetos lujosos de familias de alta clase, sino algo que fue su gran obsesión en la pintura… la luz.

Luz y color en las obras de Vermeer.
No es casual que el creciente interés por Vermeer coincidiera con el nacimiento impresionista, con su rechazo del estilo académico de tonos oscuros y su dedicación a una pintura al aire libre clara, de colores puros. El color es entendido por los impresionistas como una cualidad de la percepción de la luz, cuya claridad, tonalidad y saturación depende de la longitud de onda de la luz.

La aplicación de esta teoría de las ciencias naturales en la pintura tuvo como consecuencia que el color comenzara a verse como un fenómeno sujeto a las variaciones de la luz, dependiendo además, de la percepción del espectador.

Es por ello que Vermeer ha tenido una gran influencia y aprecio entre el público impresionista, como lo sigue teniendo en la actualidad y a buen seguro lo tuvo en su tiempo.

Vermeer fue un innovador. Su preferencia por el equilibrio en la disposición de los objetos, el procedimiento de reducir estructuras complejas a unos pocos elementos, su tratamiento de la luz y la forma de aplicar el color, reflejan una cualidad estética que era única en su época.

lunes, marzo 09, 2015

Gian Lorenzo Bernini

Gian Lorenzo Bernini (Nápoles, 1598-Roma, 1680)


Para Bernini, el Barroco era en sí una metáfora del movimiento. La curva como centro absoluto de la concepción Barroca se manifiesta en su obra de forma desbordante. Dentro de su mente prístina, concebía el Barroco como algo más que una tendencia de la estética de su tiempo. Era una posición frente a la vida, que le permitía trascender el territorio del arte para manifestarse en un modo de conducta intenso y desbordado. La rebeldía de Bernini frente al estado de las cosas en su época es perceptible en su obra con la fuerza de una belleza dramática y deslumbrante. Escultor, pintor, arquitecto, escenógrafo, escritor, músico, supo colocarse por encima del entorno decadente que le rodeaba, para convertirse en estandarte del arte romano que se reivindicaba como el gran teatro del mundo representando en una ciudad y en tiempo real.




miércoles, marzo 04, 2015

Los muros pintados de Bonampak

Bonampak es un sitio arqueológico maya ubicado en la Selva del estado de Chiapas, México, a unos 30 km al sur de Yaxchilán, cerca de la frontera de México con Guatemala. Todas las estructuras del sitio parecen haber sido construidas entre los años 580 y 800.



Su nombre en vocablo maya significa "Muros pintados", y en ello reside la fama de este sitio, ya que sobre los muros de los recintos hay pinturas muy vistosas que aportan mucho acerca de la vida cotidiana de los mayas.

Ningún artefacto antiguo del Nuevo Mundo ofrece una compleja visión de la sociedad prehispánica como las pinturas de Bonampak. Ningún otro trabajo relacionado con los mayas nos acerca a la vida de la corte con tan gran detalle, lo que hace de Bonampak y sus murales un recurso sin paralelo en la comprensión de la sociedad antigua."




Las pinturas datan del año 790 y fueron realizadas en una compleja técnica donde sobre un enlucido fresco de cal se aplicaron los pigmentos en un medio de agua cal (lechada) mezclado con un aglutinante orgánico. Los murales muestran la mano de un maestro que trabajó en compañía de por lo menos dos ayudantes. Los tres cuartos muestran una serie de eventos de su actualidad con gran realismo. El primero representa una procesión de sacerdotes y nobles. Una orquesta toca trompetas de madera, tañe tambores, y toca otros instrumentos; mientras los nobles charlan entre sí. El segundo cuarto muestra una escena de guerra, con prisioneros a los que les son arrancadas la uñas de los dedos de las manos, sentados ante el Señor Chan Muwan de Bonampak. Se presume que los prisioneros eran preparados para el sacrificio humano. El tercer cuarto muestra una ceremonia con bailarines ricamente ataviados y usando máscaras de dioses, y a la familia gobernante punzándose la lengua con agujas de maguey hasta hacerla sangrar, en uno de los muchos tipos de sacrificio que practicaban los mesoamericanos. La escena está acompañada por fechas numerales y los nombres de los participantes en la ceremonia.

lunes, marzo 02, 2015

La divina proporción y el arte: Parte I, El nacimiento de Venus


lunes, febrero 02, 2015

20 historias que no conocías sobre los logotipos de automóviles



lunes, enero 19, 2015

Marca país, vestimenta o disfraz: Norberto Chaves at TEDxBuenosAires 2012


domingo, octubre 19, 2014

Noruega rompe las reglas con sus nuevos billetes de estética «punk» y «de vanguardia»

Noruega rompe las reglas con sus nuevos billetes de estética «punk» y «de vanguardia»

viernes, octubre 17, 2014

Taller argentino "Prensa La Libertad" dará charla y clínica en la FAU



Taller argentino "Prensa La Libertad" dará charla y clínica en la FAU

Programa de la visita:
Martes 28 de octubre
Charla Prensa La Libertad
Federico Cimatti (ARG) y Felipe Cáceres (CHI)
Auditorio FAU
Martes 28 de Octubre
Clínica Taller Mano Alzada
Participación por inscripción, cupos limitados.
FAU
Miércoles 29 de Octubre
Clínica Taller Choike
Participación por invitación, cupos limitados.
Valparaíso

sábado, octubre 11, 2014

Hypnotizing Staircases | Nils Eisfeld




sábado, agosto 23, 2014

Un buen lugar para encontrar diseños de todas las épocas


http://www.bitlounge.net/retrolounge/advertising.htm

miércoles, agosto 13, 2014

¿Por que a tu cerebro le gustan las infografías?


Aquí hay un buen puñado de datos duros que confirman el valor de la gráfica e información visual. La próxima vez que te pregunten para qué sirve lo que haces, cuál es tu aporte al negocio, o por qué cobras lo que cobras, saca este as bajo la manga. Entre otros datos (avalados por fuentes al final del link):

- El uso de información en formato visual ha crecido un 400% en la literatura (desde 1990).

- Colores vistosos aumentan el deseo de leer hasta en 80%.

- Personas que siguen instrucciones con texto + ilustraciones para completar una tarea lo hacen 323% mejor que quienes solo disponen de texto.

- 67% de audiencia se sintió persuadida por presentación verbal con acompañamiento visual.

- La gente recuerda 80% de lo que ve y hace, contra apenas 20% de lo que lee y 10% de lo que oye.

http://neomam.com/interactive/trecerazones/

lunes, agosto 11, 2014

Prints Please

 
Ace gallery Soma celebrates ten years of supplying top notch design to the good people of Bristol with this lovely set of ten limited edition prints. Read on to find out how you can get your hands on a set...

viernes, agosto 08, 2014

Toalla Borrador de Kirei – Diseño de Hannah Jor


Se preguntarán por qué es un ejemplo de Unificación de Tareas, y la respuesta se encuentra en la asociación de ideas. El uso de este tipo de toallas es “Limpiar” y para fortalecer la idea se unifica la tarea con un objeto conocido por todos con asociación muy similar. El envase tiene forma de lápiz y la toallita actúa como el borrador, siendo vendidos por unidad o como un paquete de varios lápices de colores. “Borremos las manchas”

Apolo y Dafne / Escultura de Gian Lorenzo Bernini


Bernini captura la transformación de Dafne con intensa emoción, retratando las diferentes etapas de sus cambios. Al igual que sucede en otra de sus obras, el Rapto de Proserpina, la obra nos pide que interactuemos con ella: vista desde la espalda de Apolo, la figura de Dafne queda oculta, mostrándonos sólo el árbol en que se transforma, de modo que girando alrededor de la estatua tenemos una visión en el tiempo de la metamorfosis de la ninfa.
La contraposición de los elementos y el uso del claroscuro reflejan la fuente de la escultura helenística de la que bebe Bernini. También en el periodo helenístico existía esta percepción de Apolo como un muchacho andrógino, joven y delgado, con un peinado casi femenino, aspectos representados también en esta estatua.
Aunque Apolo predicaba la virtud griega de la Sofrosina, la moderación y la sobriedad, esta estatua le muestra persiguiendo desesperadamente a su amor, en vano.
Esta escultura se inspiró en el Apolo Belvedere de Leocares. La composición se realiza en plano-relieve, encontrándose llena de dinamismo y difuminación. El grito de horror de Dafne y el rostro perplejo de Apolo nos muestran un contraste de actitudes y aspectos que reflejan el interés por la representación de las esculturas. Esta preocupación por la expresidad muestra una gran utilización del pathos (capacidad del personaje de mostrar sus sentimientos). Dafne parece desconocer su transformación según mira hacia atrás por encima de su hombro, con los labios entreabiertos por el miedo. Su repentina detención, a consecuencia de su transformación, muestra el cabello de Dafne inmortalizado mientras gira. Mientras, Apolo se muestra estupefacto, no puede creer lo que ven sus ojos.3

jueves, agosto 07, 2014

El Moustache Packaging de la Brocha – Diseño de Simon Laliberté

Este formato de envase, sin dudas les parecerá muy humorístico. Atrae a los clientes potenciales y ofrece una doble solución. Cumple la función de reunir dos productos (Un pincel y una brocha) juntos con un solo cartón.

miércoles, agosto 06, 2014

Volkswagen Double Checked

lunes, julio 28, 2014

Solar-power plug socket turns any window into charger

http://beyondblindfold.com/solar-power-plug-socket-turns-any-window-into-charger.html

sábado, julio 26, 2014

Gattamelata de Donatello

El monumento ecuestre al condottiero Gattamelata es una estatua en bronce de Donatello, situada en la Plaza del Santo en Padua. Es una de las primeras y más importantes estatuas ecuestres de todo el Renacimiento.1 Es la primera estatua en honor del condottiero del mismo nombre.
Es una escultura de bulto redondo realizada en bronce, cuya fundición2 se realizó en el taller de Andrea della Caldiere y tiene unas dimensiones de 340 x 390 cm, y se apoya sobre un zócalo de base de 7,80 x 4,10 metros.
Se erigió en honor del condottiero de la república véneta Erasmo de Narni después de una elaboración que duró desde 1447 hasta 1453.
Está inspirada en las esculturas de los caballos de la iglesia de San Marcos de Venecia, aunque su inspiración ha sido atribuida erróneamente a la escultura ecuestre romana de Marco Aurelio que preside la plaza del Campidoglio en Roma. Esta apreciación se funda en la elevación de la pata del caballo, que no toma la altura de la escultura romana, sino que se asemeja más a los caballos de San Marcos, cuyas patas traseras parecen estar a punto de avanzar.
El naturalismo, así como la serenidad del jinete y del caballo –a pesar de que se representa en marcha- son típicas del Quattrocento y la penetración psicológica del personaje representado es característica de las obras del autor. Es un retrato y está realizado para glorificar al personaje representado; en este caso también se trata de resaltar la virtudes del militar, que con gesto austero conduce al caballo sin violencia pero con autoridad, remarcada ésta por la posición del bastón de mando. El retrato del personaje, heredado del realismo romano, deja traslucir la psicología del representado, que muestra una expresión abstracta pero consciente de su alta y difícil misión en defensa de la ciudad a la que sirve.